攝影如何才能成為一門藝術(shù)
攝影如何才能成為一門藝術(shù)
關(guān)于攝影與藝術(shù)的話題，最初可追溯至1826年法國人尼瑟夫·尼埃普斯拍攝的《窗外景色》，他將攝影視作一種復(fù)制藝術(shù)的絕佳手段。下面是學(xué)習(xí)啦小編整理的關(guān)于如何讓攝影成為一門藝術(shù)的討論，供大家參閱。
攝影如何才能成為一門藝術(shù)
1839年8月19日，攝影術(shù)正式誕生，法國社會科學(xué)院在介紹達蓋爾的這項發(fā)明時說道：“我們可以想象到這項發(fā)明將會給科學(xué)研究帶來多大的資源和便利，而對于輔助藝術(shù)創(chuàng)作而言，它的作用將超乎我們的預(yù)計。”可見攝影在當時并不是藝術(shù)，在當時的國際博覽會中，攝影通常是被作為科學(xué)或工業(yè)藝術(shù)展出的。攝影的這種尷尬身份在1860年奧林普·阿瓜杜伯爵的攝影作品《贊賞》中被表現(xiàn)出來，照片中的人們正在欣賞真正的藝術(shù)——油畫。
1862年在法國產(chǎn)生了第一起由于翻拍而導(dǎo)致的照片版權(quán)訴訟，在一審中，法庭以照片不是藝術(shù)品為由駁回了原告的起訴。此案原告又進行了上訴，這一次法庭承認了原告對照片的版權(quán)。自此，攝影便在法律意義上擁有了藝術(shù)的身份。
當時的攝影家自稱為藝術(shù)家并不斷為這一身份正名。英國的攝影家雷蘭德認為：如果攝影可以達到繪畫的效果，那么攝影當然就是藝術(shù)。他在1857年的作品《人生的兩種選擇》中作出了這一嘗試。19世紀80年代，英國威爾士的攝影家艾默生創(chuàng)作了一系列以沼澤地為主題的作品，他認為這種再現(xiàn)人類視角的作品當然是藝術(shù)品。但艾默生在其后1891年的一篇文章中又改變了想法，認為“盡管有些攝影作品的確能產(chǎn)生一定的美感，但由于攝影是通過機器而不是用手直接表達，所以攝影當然不能稱為藝術(shù)” 。在19世紀90年代的澳大利亞、英國、美國出現(xiàn)了畫意攝影，攝影家們通過污損底片等方法，使照片看起來像畫作從而證明攝影是一種藝術(shù)。比如法國攝影家雷·勒·貝格1902年的作品《裸體畫》以及美國攝影家弗蘭克·尤金1899年的作品《學(xué)習(xí)》。
有趣的是，當攝影家們極力使照片看起來像畫而不像照片時，藝術(shù)家們也在極力地使畫看起來不像照片。畢加索1905—1910年間的一系列漸趨抽象的女性繪畫作品，便可以清晰地看出他的創(chuàng)作趨勢與意圖。同時，20世紀早期的一些畫家也關(guān)注到了攝影。法國攝影家馬雷曾在19世紀80年代時做過人體運動學(xué)的連續(xù)攝影實驗，這一實驗啟發(fā)了意大利未來主義畫家賈科莫·巴拉，他在1912年時創(chuàng)作了一幅與此照片類似的作品——《陽臺上奔跑的女孩》，這幅畫帶有明顯的攝影風(fēng)格。巧的是，杜尚在1912年也創(chuàng)作了一幅類似的作品《下樓梯的裸女》?？梢姅z影在向藝術(shù)靠攏的長期斗爭中，已經(jīng)影響到了藝術(shù)的創(chuàng)作與發(fā)展。
然而，攝影作品仍然不為博物館所承認。1902年，大都會博物館館長切斯諾拉的朋友希望他寄一組照片去參加都林藝術(shù)展，切斯諾拉便請畫意攝影的領(lǐng)袖斯蒂格利茨為他準備一組照片。斯蒂格利茨提出了一個條件：這些照片在參展歸還后必須掛在大都會博物館中。切斯諾拉聽到這個條件直斥斯蒂格利茨是“狂熱分子”并以“攝影不可算作一門藝術(shù)”予以拒絕。直至20世紀20年代末，畫意攝影逐漸退出歷史舞臺，斯蒂格利茨準備把他的攝影作品都扔掉時，大都會博物館終于向斯蒂格利茨索要到了他的第一批攝影作品。
畫意攝影逐漸過時后，直接攝影成為主要思潮，它也是現(xiàn)代攝影的雛形。這種攝影的理念是對對象進行直接拍攝，而不采取特殊的技法。這一流派的著名攝影家是美國的斯特蘭德。到了20世紀20年代，產(chǎn)生了一系列現(xiàn)代藝術(shù)風(fēng)格的攝影作品，諸如布魯吉耶爾于20年代末拍攝的一系列“熱抽象”照片，德國攝影家漢娜·霍荷于1919年的達達主義攝影作品《用菜刀切割》，德國攝影家哈特菲爾德的《格林劊子手》等。同時，一些畫家、建筑家諸如曼雷、莫和利等人也開始利用照片進行試驗，創(chuàng)作現(xiàn)代主義作品。1929年紐約現(xiàn)代藝術(shù)博物館成立并對攝影作品產(chǎn)生了興趣。1937年，紐約現(xiàn)代藝術(shù)博物館的館員紐荷爾，同時也是一名攝影家，策劃了一個攝影歷史展，800多幅作品囊括藝術(shù)照片、天文影像、X光片、商業(yè)照片等。這個展覽在全美10個主要博物館展出，可以說這個展覽的目錄就是美國的第一本攝影史。1940年，紐約現(xiàn)代藝術(shù)博物館成立了攝影部。這是攝影向藝術(shù)靠攏的又一階段性勝利，攝影的藝術(shù)身份終于為博物館所承認。
20世紀50—60年代期間，藝術(shù)家們開始使用各種非藝術(shù)的物品創(chuàng)作藝術(shù)作品。例如勞申伯格1954年的作品《無題》，他認為藝術(shù)應(yīng)該貼近生活，所以他將火雞、生活雜物及他的個人肖像作為素材。顯然，非藝術(shù)品的照片成為了絕佳的創(chuàng)作題材，在這個平面媒體大量充斥人們生活的時代里，照片隨處可見，如果藝術(shù)家想要表現(xiàn)生活，隨手取用照片就可以了。而20世紀60年代中期，還有許多藝術(shù)家利用照片進行創(chuàng)作，諸如沃霍爾、羅伯特·斯密森、魯西、布魯斯·諾曼、巴爾代薩里等。但照片在他們看來根本不是藝術(shù)，只是隨處可取的東西，魯西甚至說：“誰拍了照片不重要，我甚至不把它看成是攝影，它們只不過是充實書本的圖片而已。”而巴爾代薩里在1967—1968年還拍攝了一組名為《錯誤》的照片，用一個人頭頂著樹的視覺錯位來嘲諷攝影術(shù)。由此可見攝影的地位十分低下。但同時，盡管還不是作為獨立的藝術(shù)品，而是作為這些著名藝術(shù)家的藝術(shù)作品中的一部分，照片卻第一次在畫廊中展出了。
20世紀70年代早期，藝術(shù)批評家們開始注意到了美術(shù)館中的大量照片，批評家說道：“一些照片不是攝影作品，它們是藝術(shù)。”“圖片不應(yīng)被看作是照片，而是思想的圖像化表達或是概念藝術(shù)。”1969年在紐約舉行了一個真正意義上的攝影展，此時高校里也開設(shè)了攝影課程;幾年后，蘇富比公司在倫敦舉行了第一場照片拍賣會;1974年，國際攝影中心在紐約成立;1975年，倫敦有6家美術(shù)館展覽照片。攝影的藝術(shù)身份開始被大多數(shù)人所承認。盡管人們承認的主要原因是圖片比畢加索、馬蒂斯的畫作更便宜的經(jīng)濟因素，但經(jīng)過了一百多年的努力，攝影最終成為了藝術(shù)。